#2wTREE_008 - What is branding?

    There are cities for love as Paris, music as London, saudade as Lisbon, architecture as New York, religion as Santiago de Compostela, business as Hong Kong, shopping as Bangkok and maybe we do have cities in this world for branding as my always unforgettable Singapore.

    When I reached to Singapore in the middle of 2010 maybe I did not know too many things about branding. Almost 5 years later I have learned that branding is more than just buy a successful product such a phone, a jacket, a car or even, a singular house. Creating branding is a powerful and exciting exercise to understand and influence the world around you. Maybe we cannot change the whole world but we can change the way to interact between us within our comfortable zone.

    Once of the first person who talk with me about this topic was my Singaporean friend called Elvina Chua Hwee Chean, so I can just to thank to her for accepting my invitation to share her working experience in this matter in my 2wTree blog. Here she goes. 

    What is branding? To me, branding is more than what you are. It is a style which is carefully crafted out through a series of processes that you want others to perceive you as, be it your customer or the public. Why do I say that? Let me elaborate by using Mac Donald as an example. Today, if I am going to say the Mac Donald brand is about delivering fast food and burgers, I may not be quite right. McDonald's brandmission states that it aims to be their customers' favorite place and way to eat and drink. Just look at the juicy burger patties and mouth watering tomatoes that are featured in their commercial and their attempt to lure young minds into their restaurants by giving them free balloons and access to their indoor playground. This is what I meant by generating the kind of Mac Donald they want the public to see and not just any simple burger restaurant. It does not matter if they are serving you genetically modified french fries or sugar packed soda that are harmful to your health. A lovable brand by all, “I’m lovin’ it”. That is branding. 

  The branding collaboration. I have all along been a sales and marketing person in a B2 B environment. That says, I am not a brand guru but would not mind sharing my brand marketing experiences. Let us talk about one of a marketing campaign I did alongside with Miguel for my ex‐company. The company had recently undergone a re‐branding exercise where the brand visuals (logo, taglines, brochures, websites, stationary, etc ) were changed. On the year the new logo was launched, a Christmas card design competition was held internally to engage the staff on the new visual element. Miguel nailed it as his design was well suited to the tone of the new logo and branding mission.

    Much as it was designed to be a Christmas card, it was no ordinary card. It was unique and captured the new brand essence of the company. Outlines of buildings that housed the technology of the company were used to display the strength of the company‐ its ability to do big projects which was important in its field. It was quite similar to the Mac Donald story that the company was trying to market its value and not so much of the product it was selling. This was especially important in modern day marketing as by objectively simplifying the branding message, it made it easier for the client to understand what value the company can offer that could benefit them in their projects.

    Traditionally, Christmas cards were designed in colours of red or blue, the company’s Christmas card was deliberately designed in green to further emphasis on the fact that the company was a green company. A Christmas tree was configured on the right using the company’s panache mark. The panache mark depicted a water flow that was represented as part of the company’s logo. The Christmas tree gave clue as to the kind of industry the company was working with. Interestingly, the colour contrast of the white Christmas tree and green background matched perfectly to add some final sophisticated touch to the card.

    Big thanks to Miguel for inviting me to collaborate and develop this topic for 2wTree blog.

#2wTREE_007 - Thomas Heatherwick, cuestión de oficio.

"Learning Hub" en Nanyang Technology University.

                                          
"Así pues, el edificio no dispone de una puerta, es todo poroso.
Entrarás a un gran espacio compartido que unifica todo el conjunto"
Thomas Heathwick   

   El edificio estaba aún sin terminar. Yo entré, subí, bajé y salí por el lado opuesto a la entrada. Los paneles de hormigón prefabricado son todos diferentes, los paneles “in situ” también. Cada metro cuadrado de la obra tiene un detalle específico, tantos como si de una oda a la artesanía se tratase su nuevo diseño. Me recuerda a la arquitectura de Antoni Gaudí, quien fue capaz de hablar con naturalidad de cada uno de los oficios que definían sus edificios. 

   Mi compañero filipino es quien lleva este proyecto y, a mi entrada a la oficina, me pregunta como siempre que cómo estoy en perfecto castellano. Yo le respondo en tagalo que mabute (bien) y le pregunto si conoce personalmente al arquitecto y su obra. Me dice que sí y que es un hombre muy callado y accesible, pero de su obra no sabe nada más. A veces, Singapur también es así. 

    "Anteriormente la universidad fue el lugar al que veníamos porque tenía los ordenadores y/o los libros. Ahora podemos estar desde nuestra habitación con nuestro iPhone y trato con los diferentes profesores para obtener el doctorado. Entonces, ¿Cuál es el propósito de la universidad como edificio?”.- explicó Thomas Heatherwick su concepto del edificio en un discurso en el World Architecture Festival en Singapur el año pasado.

 

   En respuesta, la universidad quería disolver la relación tradicional entre el tutor y el estudiante, para fomentar un nuevo tipo de estudio colaborativo. "Los alumnos ya no quieren el modelo de un maestro en el frente de la clase. Esto es algo de lo que quieren alejarse por completo. Así pues, el edificio no dispone de una puerta, es todo poroso. Entrarás a un gran espacio compartido que unifica todo el conjunto".- dijo Heatherwick en su conferencia. 

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   Thomas Heatherwick (Londres, 1970) es un diseñador inglés, conocido por el uso innovador de materiales e ingeniería en monumentos y esculturas públicas. Lidera el Heatherwick Studio, un estudio de diseño y arquitectura fundado en 1994.

 
Este entrada es consecuencia del artículo "El oficio y las manos", el cual me ayudó a entender mi oficio de otra manera. Lo encontrarás aquí.

#2wTREE_006 - Yamamoto en un sótano de Bangkok.

Foto de Nicolas Guerin cortesía de Getty Images

"Japón es un país con recursos muy limitados. Su gente debe usar su conocimiento y
creatividad para sacar el máximo provecho de lo que tienen en estas circunstancias tan restrictivas"
Yohji Yamamoto.

   La primera vez que supe de Yohji Yamamoto fue a través de la película "Notas sobre ciudades y ropa", un documental sobre el modisto japonés realizado por Wim Wenders por encargo del Centre Pompidou de París en 1989. Wim Wenders es aquel director cinematográfico alemán que hacía recorrerme muchos de los cines de Madrid en busca de las proyecciones de sus películas y hasta tuve un día con suerte de encontrármelo en la esquina del Círculo de Bellas Artes en la calle de Alcalá andando con dos zapatillas de colores diferentes con cordones y suela blanca, lo que le daba ese toque indie suficiente para hacer  pasar desapercibida su avanzada edad. Se sacó una cámara fotográfica compacta del bolsillo y cazó el sol escondiéndose al fondo en la plaza de mismo nombre. Con los años yo también sé sobre la utilidad de viajar con cámara compacta, de hecho lo mío ya empieza a ser devoción. Cuando hace unos días atrás aterrizaba en Bangkok y cacé con mi cámara el cartel de la exhibición del modisto japonés en una de las calles de esa ciudad inconcebible, que por más que quiera cada vez que la visito la entiendo menos, allí me dirigí en taxi con toda mi inquietud armándome de paciencia por tener que lidiar con un taxista tailandés una vez más.

El cartel de la exhibición del modisto japonés.

    Yohji Yamamoto es un diseñador de moda japonés que viajó de París a Bangkok hace más de treinta años y quedó atrapado en la duda de cómo podría desarrollar su profesión en un lugar cuyo clima ofrece tan pocas variaciones de temperaturas. La monotonía en la ropa no deja de ser más que una frivolidad para los que sufrimos el calor del trópico y probablemente sea este el motivo que le sirviese para no volver nunca más a Bangkok, lo que no quita que su práctica laboral haya servido de influencia y positivismo a muchos diseñadores de moda de esta ciudad. Él es de los que saben vender su marca, y lo hace muy bien, empezando a hablar siempre de su infancia; desde el recuerdo que dice tener aún latente de la desaparición de su padre en una de las trincheras de La Segunda Guerra Mundial, hasta los esfuerzos de su madre como costura para sacarlo adelante en medio de las ruinas de una guerra que no había dejado rastro de lo que era la civilización japonesa. Esta experiencia tan temprana acabó por desatar una gran furia y cólera sacándole las energías necesarias para saber como poder afrontar su futuro. Las imágenes de un Tokio destruido por las bombas junto al traje de luto que usaba su madre fueron perfilando su sentido de estética para su trabajo. En ausencia de su padre, proteger a su madre se convierte en su gran responsabilidad, lo que fue clave en sus primeras creaciones de moda.  Yohji Yamamoto entendió que la mujer no sólo se puede limitar a llevar los uniformes de la época y consciente de la dureza de la vida, quiso proteger a las mujeres del tiempo, la mirada lasciva de los hombres y de la influencia del conformismo de la moda. Su momento de rebeldía ocurre en la tienda de ropa de su madre situado en Kabukicho, barrio rojo de Shinjuku, donde estaba expuesto a un bombardeo diario de mujeres bonitas compitiendo con sus encantos para ganarse a sus clientes. De ahí, su determinación para no recrear en sus trabajos el estereotipo de mujer japonesa dulce y sexy que el mundo desea. Las mujeres que frecuentaban la tienda de su madre querían ropa hecha a medida como las aparecidas en las revistas occidentales, pero para Yohji Yamamoto los patrones occidentales nada tenían  que ver la figura y proporción de la mujer japonesa. Estableció como norma general en sus diseños trascender en la línea tan rígida establecida entre la ropa formal clásica y la casual de esa era. Entonces, con esta visión lanzó su primera línea de ropa bajo el nombre de Y´s en 1972 y, poco tiempo después, aparecieron los “karasu-zoka”, los clientes y fans de su ropa, quienes visten sus creaciones negras, sobredimensionadas y casi sin forma.

·Quizá la moda y el cine tengan algo en común".

     En 1981 recibió una invitación junto a Comme des Garçons para mostrar su colección en París. Está en Occidente, ese lugar cuya ropa conocía gracias a las revistas que las llevaban a la tienda de su madre. Un lugar donde la ropa de mujer se hace con las medidas precisas para acentuar la forma femenina como la insinuación del escote con la línea del cuello o la definición de la línea de las caderas con prendas ajustadas. En París es consciente del valor de sus diseños, una manera de hacer donde el  espacio creado entra la ropa y la piel tiene tal holgura que se distingue así como diseñador de moda definiendo su marca personal, consecuencia de su experiencia vital en la infancia y posterior rebeldía hacia lo local. El interés que despertó con sus creaciones en Occidente le abrió la puerta a la magia de las colaboraciones y junto a Kawakubo e Issey Miyake revolucionaron el mundo de la industria de la moda japonesa. Su concepción de la moda como arte le llevó a exponer en el Centre Pompidou en 1989, quien encarga a Wim Wenders hacer un documental sobre Yohji Yamamoto y su mundo. En un momento de la película, el modisto japonés le dice al director alemán: “Quizá la moda y el cine tengan algo en común. Y hay algo más. Este film me da la oportunidad de encontrarme con alguien que ya había despertado mi curiosidad, y que además, ya había trabajado en Tokio”. De manera paralela a su línea de moda para hombre y mujer, va desarrollando colaboraciones para otras marcas como Hermès, Mikimoto y Mandarina Duck. Hizo diseño de vestuario para la compañía de danza de Pina Bausch y Takeshi Kitano. Incluso ha llegado a vestir al Real Madrid para la Liga de Campeones en esta temporada 2014-2015. Pero tal vez, sea la colaboración con Adidas la que más éxito e influencia ha tenido consolidándose en el mercado bajo la marca Y-3. Como resultado de todas estas sinergias producidas por las interacciones realizadas a cabo con otros artistas entiende el valor de la artesanía local japonesa y con ella satisface las necesidades de sus diseños. Materializa su producción al emplear fábricas locales pequeñas y familiares para así preservar el intangible patrimonio cultural inmaterial del que tanto aprendió ayudando desde pequeño a su madre. Para Yohji Yamamoto “la buena ropa debe ser producida por las manos de aquellos que verdaderamente entienden su propia creación”. Las ganas de explorar, buscar nuevos retos y encontrar nuevas posibilidades son razones que le hacen un diseñador de moda muy diverso. 

Fotograma de Notas sobre ciudades y ropa, de Wim Wenders.

   La exposición de Yohji Yamamoto en un sótano de Siam Center de la ciudad de Bangkok tiene todo para decir que fue la mejor manera de acabar mi temporada sabática visitando diferentes lugares durante mis tres últimos meses. Cada esquina, cada detalle de la exhibición recoge muchas de las conversaciones que he tenido a lo largo de mi viaje con gente de muchas partes distintas del planeta y sino fuera por esto, no hablaría de alguien quien es sobradamente conocido. Pero su infancia, rebeldía, visión laboral, influencia, interacción, localismo... son patrones comunes a muchas personas cuyo trabajo admiro. En el caso del trabajo de Yohji Yamamoto llega 12 años después de ver aquel documental de Wim Wenders, una película que en su día apenas entendí y que ahora con la visita a esta exposición me aporta la felicidad de saber que he cerrado un circulo más en lo que está siendo mi viaje. Un viaje que empezó con la admiración de las manos de los artesanos en una pequeña localidad de Myanmar. Sus productos eran muy singulares. Llenos de asimetrías e imperfecciones. Tal vez trabajar con las manos resulte algo muy local pero hay patrones que se repiten y conducen a lo que podriamos llamar una artesania global. 

(leer El oficio y las manos, aquí.)

#2wTREE_005 - La mentira de los discursos.

Soo Jin Yim-Heil en una de las performances realizadas, Souvenirs.

   “El mundo parece haber tomado el camino de la barbarie, nos han quitado derechos y recursos, pero sobre todo nos han quitado las palabras. Libertad, justicia, solidaridad, amor, alegría, ya no significan, les han quitado su significado y las han llenado de ruido y basura para que no sepamos qué somos. Hoy más que nunca es necesario volver a la poesía para oír palabras verdaderas y amortiguar la mentira de los discursos”. Todo esto sostiene José María Guijarro, un artista cuya caligrafía se asemeja al tailandés antiguo.

   El pasado 10 y 11 de octubre se presentó el Festival de Poesía Visual 2014 en La Casa de Quevedo en Torre de Juan Abad, Ciudad Real. Se trató de un programa multidisciplinar consistente en dos performances y dos exposiciones. Una iniciativa de un grupo de amigos que trabaja en el ámbito del arte: la coreógrafa y bailarina de Corea del Sur, Soo Jin Yim-Heil, el escritor y crítico de arte alemán Heinrich-Heil, y el escultor español José María Guijarro. 

   El programa 2014 giró en torno a dos temas. Uno es el drama de la migración a la que se ven empujados millones de seres humanos, nacidos en las zonas más pobres del planeta y que huyen de la pobreza. Es el motivo de una performance (Próxima Estación) que se realizó en medio de una instalación de esculturas, y que se estrenó en Burgos 2010. El otro tema de este Festival es el recuerdo de la Primera Guerra Mundial, desde el punto de vista del dolor y el destrozo del cuerpo humano, sea cual sea la nacionalidad del combatiente, y materialmente se desarrolla con otra performance (Souvenirs), un videomontaje y unas esculturas de madera. Se da la circunstancia de que Souvenirs que estrenó La Casa de Quevedo, se representará el 20 de noviembre de 2014 en el Instituto Heinrich de Düsseldorf, que, interesado en este Festival de Poesía Visual, quiere coproducir con La Casa de Quevedo, los próximos programas de este Festival, que se representaría en todo o en parte de ambas instituciones.

   El director de La Casa de Quevedo, José María Lozano, citó en su discurso de apertura del Festival que “el hombre destruye al hombre, pero también crea belleza”. Una magnífica frase que acabó convirtiéndose en algo premonitorio de lo que los espectadores iban a presenciar en los dos días de festival. La noche del viernes nos dejamos llevar con los movimientos de la bailarina entre las infinitas sillas de madera y la buena música de las dos performances hasta que un fallo técnico a mitad de la segunda, Souvenirs, obligó a repetir la performance desde el principio. El fallo volvió a estar en el mismo instante y, ahora sí, el silencio puso en jaque al colectivo artístico evidenciando la falta de trabajo en equipo. La performance fue cancelada generando frustración entre todos: artistas y público. Con una sonrisa amarga nos fuimos de allí cabizbajos a la espera del día siguiente. En mi opinión, saber trabajar en equipo facilita el camino al éxito y es todo un reto en equipos multiculturales, de ahí mi rabia al ver como el ego de los artistas quiso apuntar a un miembro del equipo como culpable. Ya con la lección aprendida para el sábado, este grupo de amigos facilitaron con su montaje olvidarnos de lo mundano ocurrido en la noche anterior y, entonces, fue cuando el hombre creó belleza. La poesía del arte se adueño del silencio regalándonos una velada intimista diferente a las otras muchas que la Torre de Juan Abad ofrece. Finalmente pudimos entender que toda la obra, Souvenirs, se articulaba en torno a un destrozo corporal producido por las granadas y los gases tan utilizados en la Primera Guerra Mundial, una guerra de trincheras, ballonetas, gases y granadas. Es la guerra que más mutilados produjo (como en la Civil española) y provocó tanta investigación de prótesis para mutilados. El ahogo del gas mostaza, la pérdida de un brazo, de una pierna, de un trozo de la cara eran los cuatro cuadros que se desarrolaban en la performance, con la presencia dramática que sólo Soo Jin tiene, con la oportuna narración de Pedro Mari Sánchez de un texto del Relati de un Superviviente de Gerald Brenan, con las músicas de Inés Taddio, Mark Sabat, Arbeit, etc, pero sobretodo con el silencio. Posiblemente todo ello sea un recuerdo -el de este Festival- que quedará marcado en nuestra memoria como si se tratase de una de aquellas noches gloriosas de los veranos de nuestra infancia. ¡Chapó!

Esculturas de la instalación Próxima Estación.

   Más sobre José María Guijarro, pulse aquí.

2wTREE - Happiness by design.

“2wTree, a tree in two different worlds" 

   During 2011, I was settled in Singapore and I could experiment how the sunlight is so different around many places of Asia. It was an enjoyable period for travels, photography and design. 

   I was really fascinated working and talking with people from so many different nationalities sharing knowledge and experience. Fortunately this experience gave me the availability to understand and take a cultural approach different to my original thinking. If I have to share things that I have learned in my life in Asia so far, one of them will be love the people that you work with.

Working Together

“We are not as colorful as we think we are”

   I made my first trip to Japan as an ignorant backpacker before reach to Singapore. My sensations were a bit contradictories: one hand, I felt so fascinated because of the colour of the sky but in other hand, I had the feeling that my photos were not really good enough to express my real emotions.

   Months later, I was in a conversation with Ms Narunya Kesmanee, an architect from Thailand who had have similar experience in Japan. She pointed that photography is extremely flexible and we should not forget that we can get an image in less than a second which it means that, if we use the advantages of the digital technology we should have the risk to dare to fail when we are involved in the design process of the image. She remarked about the importance to keep learning from our own faults to use them for making our work different. When we finished our conversation she invited me to visit Thailand, a land that I deeply love it, and we work together to create an image that later on we called “We are not as colorful as we think we are”.
 

   As a lesson learned, we think that there are so many frustrating and confusing things around us. So we guess that to make design matter we must design to enrich experience with emotion, authenticity and beauty.

#2wTREE_004 - Green Ink on an Envelope.

Architect Chan Sau Yan Sonny.

   “We, architects, are always fighting with clients to get architecture in which we believe and, in this case, it was easier because the client had the background enough to understand my architectural concerns” said Sonny Chan (Malaysia, 1941) when describing his relationship with the client, his son, of Ewart Park, Singapore during the design process of the home. 

   "Nosotros, los arquitectos, estamos siempre peleando con el cliente para hacer la arquitectura en la que creemos y, en este caso, era más fácil debido a que el cliente tenía el conocimiento suficiente para entender mis preocupaciones arquitectónicas" decía Sonny Chan (Malasia, 1941) al describir su relación con el propietario, su hijo, de Ewart Park, Singapur, durante el proceso de diseño de la casa.

   An extraordinary work which acts as proof that each individual of the team would feel he or she was undertaking important work as part of an overall vision. A house that inspires innovation and improves architectural concepts that are already there, waiting to be borrow and make them his own. Not so many works have the ability to inspire people to new heights, that is perhaps the greatest strength in this houses design. 

   Una obra extraordinaria que prueba como cada individuo del equipo sentiría que, él o ella, estaba llevando a cabo una labor importante dentro del marco de una visión en conjunto. Una casa que inspira innovación y mejora conceptos arquitectónicos que ya están ahí, esperando a ser prestado y hacerlos suyos. No tantas obras tienen la capacidad de inspirar a la gente hacia un nuevo nivel y, tal vez, sea esta la gran fuerza para este diseño de casas.

   The field of architecture is constantly dealing with complex problems, the architect Sonny Chan built the success of this house on taking that complexity, mastering it, simplifying it for the client and selling it to him in a beautiful form. It is a pleasure for clients, architects, comentators and enthusiasts to gather to celebrate and debate one of the latest company´s output, his book: Green Ink on an Envelope, the architectural practice of Chan Sau Yan Sonny. 

   El campo de la arquitectura está tratando constantemente con problemas complejos, el arquitecto Sonny Chan ha basado el éxito de esta casa en la consideración de esa complejidad, dominándola, simplificándola y vendiéndosela a su cliente de una forma hermosa. Es un placer para clientes, arquitectos, críticos y aficionados reunirse para celebrar y debatir uno de los últimos hitos de su empresa, su libro: Green Ink on an Envelope (Tinta verde en un sobre), la práctica arquitectónica de Chan Sau Yan Sonny.

   2wTree had the opportunity to have a chat with someone who thinks “outside the box”, someone who wants to use architecture to change the world creating things that make a difference, and not just to get a proper job done.

   2wTree tuvo la oportunidad de tener una charla con alguien que piensa fuera de la común, alguien que quiere usar la arquitectura para cambiar el mundo creando cosas que marcan la diferencia y no sólo para conseguir un trabajo bien hecho.

Drawing Room. View from the top.

Another collaboration for 2wTree, a platform to link Asia and Latin America. . 

Otra colaboración para 2wTree, una plataforma para unir Asia con Latinoamérica. 

#2wTREE_003 - Venimos de lejos.

“Nadie es una isla, completo en sí mismo;   

cada hombre es un pedazo del continente, una parte de la Tierra.” 

John Donne, Devotions Upon Emergent Occasions. 

   La raza humana es una y el mundo no tiene fronteras. Un nómada es de todos los sitios donde ha vivido y ha visitado, quiere aquellos lugares donde tiene buenos recuerdos y donde ha pasado tiempo, pero no se ata a ninguno. No tiene barreras, le asfixia estar condenado a un lugar definido. Un nómada siempre ha de ir andando y añadiendo nuevas facetas de los seres humanos, de las distintas civilizaciones y culturas que descubre en su propio perfil, aumentando así su riqueza cultural. A diferencia de un sedentario que tendrá tendencia a estar apegado a “su” territorio, y a necesitar la seguridad de lo conocido, de su cultura, costumbres y tradiciones.

  En púrpura escribe Borja Bandrés, escritor, periodista y buen viajero. Sus textos (www.borjabandres.com) me acompañan desde mediados del año 2011. Yo fotografiaba algunos de los países asiáticos para mi proyecto “El Mundo” y él escribía reflexiones de sus experiencias por Sudamérica para el suyo, “Venimos de lejos”. Proyectos personales de estilos y formas diferentes pero que, al ser colocados a la par, podrían complementarse de esta manera. 

Barcelona es una ciudad cuyo trazado urbano, el plan Cerdá, es un referente mundial.

   El origen de una ciudad puede ser muy diverso y, con el paso del tiempo, va generando sus barrios con sus múltiples personalidades hasta que, llegado a un punto, su desarrollo pasa por un grado de conceptualización para dotarla de cierta cohesión y uniformidad cuya individualidad se llena de una gama de particularidades que pueden convertirla en universal. 

   Y es que no tenía ni diez años cuando, como había nacido en la Ciudad Condal, era catalán. Pero luego iba a Aragón a ver a la familia y escuchaba a la nobleza baturra despotricar contra Cataluña. Así que como no quería que me insultaran, deduje que algo debía tener de aragonés. Sin embargo, mi parvulario-colegio-instituto era francés y como pasaba cerca de treinta horas a la semana en él, llegué a la conclusión que alguna parte mía era francesa. Cuando visitaba Francia, mis compañeros galos me hacían observar que por ser español hablaba muy bien "su" idioma. En aquellos años mozos, en mi pasaporte ponía République Française. Así que, con las dudas de qué porcentaje de francés tenía, llegué un buen día a Córcega, donde nació mi abuelo materno. Y nada más poner pie en la Isla, leí garabateado por ahí: O pinzuttu fora, o sea, “los franceses fuera”. 

   Podría explayarme un rato más, pero mejor será poner coto a tanta narración y transcribir lo que un amigo me dijo hace un tiempo: “El mundo es el hogar de todos, y el nombre que le hayan puesto al trocito de tierra en el que pasas cierto tiempo no tiene la más mínima importancia.”

   Cuando empecé a leer a Borja me pregunté por su origen, como queriendo buscar una ciudad, ya que su lectura me resultaba como moverme por los diferentes barrios ajetreados que tiene una gran ciudad. Textos que desprenden tanta unicidad en su contenido que entendía ese viaje a Sudamérica en el que estaba involucrado como ese paso necesario para conceptualizar la visión de su proyecto personal. Un camino que empezó en Brasil el año 2011 y se extendió al 2012, con paradas en Argentina, Perú y Bolivia. Una experiencia cuyas reflexiones nos fue ofreciendo en su blog y que ahora recopila para la publicación de su libro “Un camino en 18 textos”. 

Los Himalayas, por Miguel Vélez.

   El viaje también sirve al aventurero para, como dijo Descartes, “conocer las costumbres de los distintos pueblos y para despojarse del prejuicio de que sólo en la propia patria se puede vivir de la manera en que uno está acostumbrado.” Así, viajar ayuda a dejar de lado un etnocentrismo que hace de la cultura propia el criterio exclusivo para interpretar los comportamientos de otros grupos, etnias o sociedades, y hace relativizar las propias creencias, hábitos, costumbres y entorno, dándoles un nuevo enfoque.

   Al viajero -que no al turista- nada le resulta indiferente, y en su periplo el más mínimo detalle o comportamiento, aparentemente banal e insignificante, es observado con interés y se transforma en una peculiaridad, reflejo de una nueva cultura que pasará, de alguna manera, a formar parte del mismo. Este sabe que su aventura es un salto hacia lo desconocido donde entra en lo imprevisible y en lo imprevisto. 

   Conviene alejarse de las ciudades y admirar la naturaleza: porque es subversiva, porque nos incita a soñar, porque intensifica nuestra vida interior, porque desarrolla la sensibilidad y el libre albedrío, porque nos hace relativizar, porque nos aleja de nuestras expectativas, miedos y temores, porque nos conecta, porque nos devuelve a nuestra esencia y porque nos hace estar vivos.

   Hay momentos en los que viajas con la sensación de estar perdido en el mundo. No sabes dónde ir o qué hacer o, incluso, del lugar dónde vas a dormir. Quieres buscar un camino dando una solución a todas las diferentes posibilidades que tienes. Te sirves de unas recomendaciones, un mapa y una guía de la ciudad. 

   Si hoy es un día de suerte, es que estás leyendo exactamente esto.

Las montañas de Ladakh, India.

   Existen en la vida momentos de tanta lucidez que la clarividencia se impone como una verdad inapelable, eliminando momentáneamente en nosotros cualquier atisbo de confusión, interrogante, duda o cuestionamiento. Estos instantes, que se quedan inevitablemente grabados en nuestra memoria como un punto y aparte en nuestras vidas, nos permiten adquirir una certeza acerca de algo, de alguien, o de nosotros mismos. Cuando esto ocurre, la mente se desactiva, los sentidos entran en suspensión, los velos caen, el error deja de ser una posibilidad, y la existencia alcanza entonces, como dijo Herman Hesse, “su plenitud, porque todo ha perdido su significado".

  Siempre me valgo de esos tres escenarios mostrados en los videos anteriores que, apoyándome en las reflexiones de Borja, podrían mostrar a modo de ensayo lo que es un cambio en la manera de pensar, fruto del impacto visual que he tenido en un entorno totalmente ajeno al mío como viajero. 

Visión de Budapest, por Borja Bandrés. 

   Somos el resultado de lo que hemos heredado y de lo que han sido nuestros padres y antepasados. Llevamos un legado que debemos seguir y ante el cual somos responsables. El olvido y la ignorancia histórica son una de las cosas más peligrosas que existen. Queriendo echar arena encima del pasado, cubriéndolo para que no salga nunca a flote, o simplemente desinteresándonos de él, cometemos un gran error. Quien no conoce su pasado no se conoce. Nos olvidamos que la miseria y la precariedad son caldo de cultivo para los extremismos de todo tipo. Nos olvidamos que estos están liderados por salvapatrias que siempre encuentran en la desesperación de la ciudadanía su mejor apoyo, y en la inventada culpabilidad de un determinado colectivo, su mejor política. 

   Nos enseñan en el colegio aquello de que “no hay camino, se hace camino al andar”, por lo que nótese que el viaje del que aquí se habla, trata de definir algunas de las diferentes etapas que uno va encontrando en su camino, un proceso que para algunos puede llegar a ser hasta una vida entera. 

"En un lugar de la Mancha", por Narunya Kes.

   Acaba de anochecer. El viento barre las colinas y despeja el cielo que por la ventana se manifiesta majestuosamente estrellado. Más allá del silbido del aire que entrechoca con fuerza las ramas de los árboles no se oye nada. Hace fresquito y como la cosa no está para gastos suntuarios, la cómoda calefacción ha dado paso a la estufa de leña. Es lo que ofrece la Tierra, y el calor y olor naturales no tienen parangón. Tras depositar un buen tocón, inmediatamente presa de las llamas que calientan la estancia, un cosquilleo en el estómago recuerda que hay gazuza. La cena consiste en un poco de pan, aceite de los olivos de la última cosecha y nueces del otoño que, un año más, se han podrido por millares sin alma que las recoja.

   Leyendo este texto de Borja a mi compañera de viaje noté que ella no parecía comprender este modo de vida, mientras yo recordé claramente a mi hermano mayor en búsqueda de mi abuelo materno para conseguir algunas de aquellas sabrosas almendras que nos daba en nuestra infancia. El texto me motivó para volver a pisar mi tierra de origen, hace poco tiempo junto a ella, con la intención de enseñarle así el modo de vida de mis paisanos. Entrando ya de lleno en mi provincia de La Mancha, ella cogió con disimulo la cámara fotográfica y, con su timidez asiática, hizo la foto que ilustra este capítulo –Motivación- diciendo aquello de “el mundo es tan maravilloso e inabarcable”. Una frase que se repite en los textos de Borja y que parece dotar de sentido al mundo cuando somos conscientes de esa sensación plena de que realmente todos venimos de lejos. 

  Gracias a Borja Bandrés por su generosa colaboración y aportación al proyecto leglessbirds. Una entrevista para 2wTree.

Encontrarás los textos de Borja Bandrés en el blog de Revista Inefable pulsando aquí. 

Y disfrutarás de un vuelo por Asía, aquí. 

#2wTREE_002 - Chatibuky, where your world ends and mine begins.

Is the wolf as wild as the say in the stories?  courtesy of Chatibuky 

   Chatibuky is Julia Beamud, an illustrator from the same province in Spain as me, Castilla - La Mancha. She worked as a teacher in School of Art "Pedro Almodóvar" of Ciudad Real. Nowadays though she is based in London. Julia has decided to take a sabbatical so that she can work as a volunteer for a Childrens Charity. At the same time she is also improving her skills by attending design courses, workshops, exhibitions theaters,...and generally trying make the most of the opportunities available to her.

   I realized that Chatibuky was not a common name. So when I first started speaking to Julia I wanted to know the origins of the name, and one of my first questions was; What is the story of Chatibuky? 

   Chatibuky is an evocation of my childhood. My father used to call my mother this word. When he returned from work and opened the door of my house the first thing that he would say to her, cheerfully, would be: Chatibuky!!!. Sometimes he also called us like this. It brings back memories of The sound of the extractor fan in my house, my mother in the kitchen, my brother and me playing in the living room. Chatibuky means to me all these things. It was an affectionate word for my father, so I decided to register as my brand name in 2011. 

The wind tries to take me but can not  courtesy of Chatibuky 

    How do you understand Chatibuky? 

   I use Chatibuky for my own product development. In my case, illustration and graphic design go hand in hand. Everything I do looks very childish, it does not mean that I am focused only on children. I notice that the people I am trying to appeal to a wide age range. I am want to reach out to the child that still remains inside of us. 

   It looks like you have a diverse range of different clients, Who are they? 

   By choice, I left graphic design about one year or so ago to focused solely on illustration. I wanted to try to do my best at this, but graphic design, and my work as a teacher did not allow me enough time to work as an illustrator. I decided to reject more work in graphic design and do what I really wanted to do. The people who I deal with now are very different. They are people who like my work, and choose to buy it to decorate a bedroom or a living room and they ask me to make some illustrations or vinyl. 

Julia among legless birds 

   How do you interact with them? 

  I want my website to be a showcase of my work and my blog as well works in parallel because it is more spontaneous. I conceive y blog as a diary to show what I do. I like the idea of sharing the process of my projects with my readers. 

   As an architect I am really interesting in your design process from the moment that the idea starts until reach an outcome. How do you work out the concept in the field of illustration? 

   I can conceive and develop my projects in any way and any time. The length of the project can be as long as whatever is required by the idea. A simple idea for a project can appear during a train journey, sitting on a bench or working on another project, so I just make notes and sketches and wait until the idea formulates. Ideas are around you, even when you dream, so we just need to know how to see. It is also important to be free of them because they can become overwhelming. 

   After having a clear vision about one idea, I attempt to develop it using sketches until I feel so involved with it that my concern turns to being about whether it will be a single illustration, a series or something else. 

  The actual process is another story. The most enjoyable part is doing the sketches to investigate what I am looking for, the wording and the ideas. To Illustrate for other people's ideas is different, the process is closed but equally rewarding. 

The longer our legs were for running the more tormented we were, we had to cut them shorter to feel more and more free, and the less further away we could be, the further away we dreamt...  courtesy of Chatibuky

  I remember that when we met each other you used to write sentences you heard in your notebook. You were working in a project called “Microhistories” at that time, can I know more about this project? 

  That was a daily exercise, that I impose on myself of writing y thoughts and feelings during those days and months. I had so many notes but finally I illustrated the most meaningful to me. Each illustration define its own feelings. Doing what you like is more important than the outcome. You have to shape them as you think, and later they go wherever they have to go. 

   On your website I also notice that you have interesting collaborations in musical events. What is your experience of work in the music field? 

Explosión local  art work  
courtesy of Chatibuky

   Explosión Local, a music festival in Ciudad Real, has been the most representative work in this field. Additionally I have done posters for concerts and album artwork. Normally organizers had always a rough idea of what they wanted as it was the case of Explosión Local. First I had to understand the history of the event, next I needed to understand the features in order to start the design process and, of course, it was really important to understand the work previous events in order to maintain continuity. 

   Finally I was given near total freedom of the creative process and I only had to adjust my work to a few guidelines. 

   Nowadays you are based in London in your sabbatical but what is your current project? 

   I have just published a short childrens story about Doña Escotofina, another character from one of of my childhood experiences. My grandmother used to call me this with a little humor. It was last year when I thought to make Doña Escotofina one of my personal projects. I was working hard in sketches to bring her to life. Like her, I have more projects but she was lucky to go out. 

Miss Escotofina and the things she likes and dislikes
  courtesy of Chatibuky

   What was the motivation to develop this project of Doña Escotofina? 

  Many years ago I had a desire to be a volunteer in a disadvantaged country. Two years ago I was visiting Cambodia, a wonderful country, where kids, especially girls, have no so many resources. Prostitution is very obvious on the streets. I saw things that are not so fair but the innocence and craftiness of those kids who look happy with almost nothing made me wonder about so many things. 

   I had visited other places before, but after my visit to Cambodia I wanted to do something. A friend of mine knew about a British charity that works with children in Malawi. We contacted them to share the idea and suddenly Doña Escotofina came alive to try to help the children in that country a little. It has been a hard project to develop for financial issues. I thought that it would have been easier but It turned out more complicated. I learnt to encourage myself when something were difficult and no go back. 

   In the end we made it. 

1 balloon is enough for flying
  courtesy of Chatibuky

   When I look to details in Chatibuky logo I see that you keep same typographic characters but sometimes it appears a cat, a fish or a balloon, what do you mean by the differences? 

   I wanted to have the logo reflect somethings of my personality using these images as a trademark: 

   The Cat came about, having always found them quite arrogant animals until one day I found one abandoned by her mother in the patio of our house. I decided to keep it and found a wonderful friend. The characteristic is independence.

   The Fish. I normally swim, so, sometimes I feel like a fish. My aunt taught me in a summer house when I was little girl. Swimming is like flying, floating in the water and moving around is amazing. This is a kind of freedom impossible to find. It is only you and the water. 

   The Balloon. You can never stop flying. Sometimes our legs are so heavy for walking and we are afraid to start new projects or even go to new places, especially we are afraid of the unknown and change. I think this is a mistake because the only thing that can happen is that you will learn new things to keep flying in this life.

Chatibuky is me. 

   Julia says that her job as an illustrator is always outside of teaching, both are two different things and she is not the same Julia working as an illustrator and as a teacher. For me, she is another legless bird around and this is the main reason to invite her to be a part of this chapter of 2wTree. Thank for your collaboration. Really appreciated, Julia.

        www.chatibuky.com          

  

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